Non ho mai voluto lasciare il mio paese, la Bulgaria, ma l'ho fatto ... Ho indossato nuovi abiti su misura, ma ho rimosso e frantumato in mille pezzi i filtri con cui sono cresciuto e che non mi permettevano più di distinguere tra le apparenze del normale e la normalità delle apparenze. Non ho mai voluto lasciare la mia culla materna, ma l'ho fatto ... per tornare privo della travolgente sensazione che tutto ciò che vedevo straordinario e familiare e che la Bulgaria avesse solo una parte. Ora so che l'ho fatto per rimanere lì e fare la sua faccia invisibile (o schiaffeggiata?). Lascia che ti dica quello che gli sussurro non appena lo tocco con la punta delle dita ... Ci sono due modi di vivere, ma formano un unico mondo: con il passato o con il presente. Provando a cancellare una parte della tua cronologia e riscrivi un'altra parte oggi, sei diventato un palinsesto. Posso leggere tracce del Medioevo che non possono far parte del presente di un mondo europeo è diventato tale perché voleva cancellare la differenza tra ieri e domani. E ancora mi graffio, e più mi perdo nella mia confusione: hai perso la testa per voler conservare kroumir e vestigia del passato che non fanno altro che accentuare il tuo bisogno vitale di smettere di riscrivere e cancellare parole e promesse già confessate? Hai perso la vista? Non vedi i tuoi anziani in un buco nel fondo delle loro anime? Fortemente attaccati agli idoli e ai feticci - perché è tutto ciò che è rimasto - gridano la loro solitudine. Né palla o flauto: il risultato sembra distante e la musica è un'altra. Questo passato è pesante, futile, aneddotico, grottesco. Questo (fatto) fa della Bulgaria un treno (la vita) i cui carri sono troppo pieni per poter continuare le loro strade. Il treno si è fermato, i passeggeri sono ancora lì ... Destinazione finale? Europa? I Balcani? Diyarbakir? Eppure, quando togli i miei nuovi vestiti e mi tuffo nelle tue zone, so che i tuoi boccioli sono pieni di vita e c'è un solo desiderio che mi invade: stare con te, disegnare la tua faccia nascosta, farti vedere, ti sussurro parole morbide, ti amo, fotografa te. E questo palinsesto mi attira sempre di più, perché mi sento come se fossi una delle tue innumerevoli storie scritte sulla tua pergamena. Posso lasciarti? No! Il tuo passato - sono anch'io ....
Circus of love, è un progetto a lungo termine iniziato nel 2016 sul "Nouveau Cirque". Il lavoro è diviso in capitoli, ogni capitolo racconta la storia di una famiglia. I Brunette Bros. Danesi, Spagnoli e Italiani con il loro secondo circo più al piccolo mondo, percorrono l’Europa in carovane retrò. Les Pêcheurs de Rêves, Francesi, sono una famiglia di clown in cui Florence e Vincent interpretano Za e Krapotte, mettendo in scena una parodia del loro matrimonio. Teatri Mobili - Girovago e Rondella, burattinai italiani e artisti sudamericani si spostano su un autobus di linea trasformato in teatro, raccontando al mondo la loro storia d'amore iniziata 30 anni fa nei mari della Grecia. Il 'Cirque Bidon' uno straordinario circo francese fondato negli anni '70 da François Bidon, viaggia su carovane trainate da cavalli. Un mondo folle e surreale in cui la vita reale si incontra con il sogno, sulle note di colonne sonore originali, create appositamente per lo spettacolo. 'Circus love' è un progetto sulle famiglie nomadi, che incarnano molto più di uno stile di vita bohémien. Si definiscono orgogliosamente circensi moderni, artisti che hanno mutato e allargato o demolito le frontiere del circo tradizionale. Lo hanno trasformato, rendendolo qualcosa di molto diverso da quello inventato da Barnum&Bailey con freaks (fenomeni da baraccone) e animali, qui avviene un incontro e un connubio tra molte discipline e arti.
Courtesy: 29 ARTS IN PROGRESS Gallery di Milano L’opera di Ronald Martinez è il risultato di una ricerca approfondita sulle infinite variazioni della luce sul corpo. Dal 2011 lavora su un progetto dedicato ai nudi artistici: ispirato dall’estetica pittorica italiana e dal luminismo caravaggesco, Ronald Martinez lavora al buio, con una sola fonte di luce posta sulla sinistra. Ad interessarlo è soprattutto l’uso che i grandi maestri hanno fatto del chiaroscuro. Più che fotografare Ronald sembra ridisegnare con la luce l’immagine. Passando attraverso gli innumerevoli esempi lasciati dai grandi interpreti della pittura italiana del passato nella rappresentazione del corpo e della nudità, Ronald è giunto a produrre delle immagini “pittoriche” di rara poeticità e di soffusa sensualità. I venti dipinti fotografici che saranno in mostra a Milano evocano le innovazioni dei maestri del Rinascimento, attraverso il chiaroscuro di Caravaggio e Cagnacci e la tavolozza di Velasquez. Il percorso espositivo include inoltre delle nature morte nelle quali l’artista confronta il tema della luce con altri soggetti. Le opere sono risultato di una personale ricerca artistica sulle variazioni infinite di luce sul corpo, ispirata all’estetica pittorica italiana. Ronald Martinez lavora al buio, utilizzando solo una fonte di luce che taglia la scena da sinistra a destra. Questa produce straordinari effetti in chiaroscuro, senza successivi interventi in post-produzione. L’artista, più che fotografare, sembra ridisegnare l’immagine con la luce. Nelle opere le sfumature delineano i contorni dei corpi e fanno emergere i toni della pelle. Prendono vita scenari contraddistinti da una vera e propria forza estetica e da una delicata ricchezza sensoriale.
Il ritratto è un’arte difficile e fa nascere talvolta la paura che chi ci fotografa possa portarci via l’anima, o almeno il nostro io più segreto (nelle antiche culture e in alcune religioni era infatti considerato un tabù). Le fotografie realizzate da Gabriele Maria Pagnini per alcune delle riviste più importanti a livello internazionale come Vogue, Harper’s Bazaar, Vanity Fair, sono il risultato di un “corpo a corpo” tra lui e le persone ritratte. Immagini che, in qualunque situazione siano state realizzate sono pensate come quadri. La loro caratteristica più sorprendente è la capacità di percepire l’imprinting di chi è davanti all’obiettivo con uno stile immutabile nel tempo e una cifra molto particolare, che ne fa emergere l’autenticità anche attraverso una sottile ironia e talvolta ne dissimula la vera natura. Gli occhi, la fronte, talvolta anche le mani emergono dal buio circostante, quasi un liquido amniotico, a indicarci gli aspetti che definiscono il carattere di chi è ritratto. Buio come forza creatrice che guida in modo infallibile l’occhio del fotografo nel momento dello scatto (un centesimo di secondo può essere un tempo lunghissimo in cui accadono eventi infiniti). Una sola luce, quasi sempre laterale, semplice ed essenziale (nelle foto in studio compare spesso una sorgente luminosa leggera, sfumata anche sul fondo) scolpisce il volto e ci ricorda l’inquieta ritrattistica del Cinquecento. Anche se realizzate con fotocamera analogica sono immagini da inserire nella tradizione pittorica (Pagnini coltivava il sogno di fare ritratti senza nessuna mediazione tecnica) che sanno cogliere e fissare in un momento irripetibile un gesto, un’espressione, uno sguardo, in cui si riassume tutta la personalità di chi viene ritratto e ne rivelano la segreta psicologia. (Pierparide Tedeschi)
C'è un termine in cinese chiamato "Weng Zhong" per descrivere la statua di pietra in forma umana e animale, che si trova di fronte al mausoleo dell'imperatore cinese fin dai tempi antichi. La statua di pietra è emblema del potere reale. Questo ebbe inizio nel periodo della dinastia Qin e Han, da quel momento gli imperatori e l'importante banchiere adottarono questo rito. Il numero e lo stile dello status di pietra non rappresentano solo il potere, lo status significa anche il benessere ma anche una tradizione di civiltà e una etichetta della monarchia cinese. Questa serie fotografica registra le statue di pietra di Han, Tang, Song, Ming e Qing in Shanxi, Henan, Jiangsu, Liaoning e Hebei, e può essere fatta risalire alla dinastia Han di duemila anni fa, alla dinastia Qing di centinaia di anni fa. Dal punto di vista storico, i risultati di diverse culture e dinastie risalgono a circa duemila anni or sono, coesistendo nello stesso spazio, mutato nel tempo. Questo fatto, con una forte espressione identitaria, spinge a considerare l'affermazione di "esistenza e morte", come pensiero sostanziale nella cultura cinese. Nella prospettiva della dimensione temporale, tutte le forme corporee finiranno. Non importa la gloria, la civiltà, la specie o quale pietra. Il tempo è l'unica questione concreta. Quando sparirà e come scomparirà, questo è il quesito. Insieme allo sviluppo economico e sociale, alla globalizzazione e alla degenerazione dell'ambiente, questi fattori hanno un impatto sul processo di deterioramento delle statue. Viene spontaneo pensare a come proteggere queste sculture simboliche, inglobate nel paesaggio, con il loro mistero, convivendo nei differenti ambienti, naturali e urbani, in attesa di un destino. Le immagini di Jin, dal fascino discreto concepito mediante i toni bassi e piccoli fulgori, ci pongono domande circa la fragilità dell’esistenza e della storia, che il progresso ingloba nell’oblio del tempo.